Lorsqu’il a publié sa thèse révolutionnaire en 1956, un grand historien de l’art Kenneth Clark proposait : « La langue anglaise, avec sa générosité élaborée, fait la distinction entre le nu et le nudiste. Être nu, c’est être dépourvu de ses vêtements, et le mot implique une partie de la gêne que la plupart d’entre nous ressentent dans cet état. Le mot « nu », en revanche, ne comporte, dans l’usage éduqué, aucune connotation inconfortable.
Une histoire du nu en 4 œuvres
L’image vague qu’il projette dans l’esprit n’est pas celle d’un corps recroquevillé et sans défense, mais d’un corps équilibré, prospère et confiant : le corps reformé. »
1. Au commencement
La Vénus de Willendorf est la plus ancienne image connue d’un corps féminin nu, datant de 28 000 à 25 000 ans avant Jésus-Christ. Mesurant à peine 11 cm, la figure a été découverte par Josef Szombathy en 1908 lors de fouilles archéologiques sur un site de Basse-Autriche, et identifiée par la suite comme un symbole de fertilité. La voluptueuse figure totémique a été sculptée dans du calcaire et teintée d’ocre rouge au moment de sa création. On pense que l’objet revêtait une importance cérémonielle pour la communauté paléolithique dont il est issu. Les archéologues et les historiens ont longtemps débattu de l’absence de traits faciaux, démontrant que les créateurs employaient des codes visuels et des symboles très différents. La classification de la « beauté » conventionnelle que nous reconnaissons aujourd’hui n’aurait pas existé sous la même forme. Des conventions et des motifs différents auraient trouvé un écho auprès des personnes qui ont produit et possédé ces figurines. Ce n’est pas comme faire une augmentation mammaire en effet le concept se veut bien différent et dans l’art on part toujours de la matière que l’on a effectivement !
2. Un géant parmi les hommes
Conçu en 1501 et achevé en 1504, le David de Michel-Ange mesure 5,16 mètres et est sculpté dans un seul bloc de marbre blanc provenant des carrières de Carrare en Toscane. La sculpture, dont il existe plusieurs répliques dans le monde, est peut-être l’une des images les plus célèbres, non seulement dans l’histoire de l’art, mais aussi dans l’histoire elle-même. À cette époque, l’art occidental était principalement consacré à la représentation d’histoires et d’allégories bibliques, et le chef-d’œuvre de Michel-Ange ne fait pas exception : il s’agit d’un portrait de David se préparant à affronter la puissance de Goliath.
Sa posture est provocante, il se tient avec assurance dans le contrapposto, une pose utilisée par les artistes pour représenter des personnages tout au long de la Renaissance et jusqu’à aujourd’hui, comme on peut le voir dans les œuvres d’Andy Warhol et de Rineke Djikstra : poids placé sur une jambe, légère torsion du torse. D’autres représentations de l’histoire montraient traditionnellement David après le combat, mais Michel-Ange a choisi de montrer son protagoniste héroïque en train de se préparer au combat. L’exposition Michelangelo : est actuellement présentée au musée des arts
3. Le jardin d’Eden
Au cours des siècles qui ont suivi la création de ce tableau emblématique, la feuille de figuier est devenue un symbole de chasteté et de modestie, utilisé pour protéger et protéger la réputation des simples mortels, dans l’art, la littérature et les fables. L’Adam et Ève de Cranach est une image merveilleusement séduisante à plus d’un titre ; Adam et Ève sont entourés dans le jardin d’Éden par un ciel parfaitement bleu et par l’arbre qui porte des fruits. Il y a un léger sentiment de tension dans le cadre, car même les animaux détournent leur regard des personnages centraux, engagés dans un acte interdit. Il s’agissait d’un tableau audacieux, représentant le moment même de la tentation à l’arbre de la connaissance du bien et du mal. À l’époque de sa création, Cranach était au sommet de sa profession. Adam et Ève a ensuite inspiré d’innombrables versions à des artistes du monde entier, qui ont souvent emprunté des éléments de la composition de Cranach, renforçant ainsi la position de cette œuvre en tant que peinture narrative iconique, profondément significative dans l’histoire de l’art occidental.
4. Une Vénus très moderne
En 1863, Manet a réalisé ses deux œuvres les plus célèbres, Olympia et Le Déjeuner sur l’herbe, et a ainsi été crédité de la création même du modernisme tel que nous le connaissons aujourd’hui. Ce n’est pas le fait que la figure centrale d’Olympia soit nue qui a suscité la controverse lors de la première présentation de l’œuvre, mais plutôt la nature provocante de son regard droit et la pose détendue et inclinée qui, pour beaucoup, témoignait de sa confiance en soi, un trait qui n’était pas apprécié ou encouragé chez les femmes raffinées de la haute société du XIXe siècle. Olympia n’était certainement pas une demoiselle pudique, mais une muse déterminée, consciente du pouvoir sexuel qu’elle détenait sur son observateur. En revanche, sa servante détourne le regard et offre des fleurs, peut-être un cadeau d’un prétendant, mais qui n’ont guère d’importance pour Olympia. L’inclusion d’un serviteur noir dans le tableau a fait couler beaucoup d’encre, et ce n’est que dans la seconde moitié du XXe siècle que les évaluations académiques de l’œuvre ont commencé à inclure la race comme facteur, et pas seulement la classe sociale. Voir ce site https://fr.wikipedia.org/wiki/Peinture_(art) qui vous en dira plus sur la peinture en histoire de l’art